Aux racines de la musique: mélodie et rythme
La mélodie
Quel que soit le type de musique que vous écoutez, si vous observez attentivement les mécanismes d’un morceaux spécifique, puis d’un autre et encore un autre, vous pourriez être surpris en constatant qu’un certain nombre de morceaux qui, apparemment, sonnent de manière très différente, utilisent en fait les mêmes techniques et principes musicaux élémentaires. La mélodie, qui est une succession unique de tons musicaux, est l’un d’entre eux. Les compositeurs l'utilisent pour générer des réponses émotionnelles chez les auditeurs. Il est possible d’identifier aisément une mélodie en écoutant des berceuses ou des chansons simples sur le plan musical, comme par exemple “Whole lotta love” de Led Zeppelin, où la mélodie rencontre un texte, la chanson faisant en conséquence se rencontrer une histoire et une émotion, à travers des motifs tels que l’amour, le patriotisme, la perte, l’attente, la rédemption, etc.
Qu’est-ce qui, dans une bonne mélodie, la rend effective? Nous voyons que, partout dans le monde, les mélodies sont généralement construites à l’aide de cinq notes qui forment ce que l’on appelle une gamme pentatonique et qui sont représentées par les touches noires du piano. Ensuite, d’autres notes peuvent être ajoutées. Ce n’est pas le nombre de notes qui importe ici, mais ce que quelqu’un fait avec elles: quelles notes choisir, à quelle hauteur, pour les insérer dans quel modèle créé avec les notes trouvées dans la gamme? Pour que la mélodie soit bonne, les notes doivent être suffisamment distinctes les unes des autres. La plus petite distance entre deux notes dans la musique occidentale est appelée demi-ton, que l’on trouve par exemple entre un fa et un fa dièse. Ensuite, il y a le ton, de fa à sol, notamment. Le plain-chant médiéval est basé sur des intervalles ayant chacun la valeur d’un ton. Il est fort mélodique et, par ailleurs, crée une impression de solennité. Quand un compositeur a choisi l’assortiment de notes qui va être le canevas de sa mélodie, un mode doit être choisi. Un mode est un type de gamme entrecroisé avec des comportements mélodiques spécifiques. Dans la musique occidentale, les modes sont inspirés par la musique de la Grèce Antique, dans laquelle sept modes sont distingués: les modes phrygien, éolien, dorien, lydien, etc. et peuvent être utilisés pour exprimer des humeurs: par exemple, le mode éolien est associé à la tristesse. Ces modes sont redevenus à la mode dans le courant du 20e siècle.
Le rythme
Le rythme est un élément fondamental de la musique. Il consiste en modèles ("patterns") réguliers répétés tout au long d'une pièce de musique, chaque instrument pouvant avoir son propre rythme. Dans la musique classique, il s’agit surtout pour le compositeur d’explorer les espaces entre les pulsations. Dans la musique populaire, le travail sur le rythme est davantage lié au mouvement, par exemple ceux que les gens peuvent faire en dansant. Le rythme est composé de quatre éléments: l’accent, la pulsation, le tempo et la subdivision de la mesure. L’accent aide à distinguer quels éléments sont importants. La pulsation est, au contraire, complètement mécanique (le son produit par une horloge peut donner une idée concrète de ce qu’elle est) et crée des accents virtuels. Le tempo est un concept qui permet de déterminer la vitesse d’une pulsation. La subdivision détermine les plus petites unités à l’intérieur d’une pièce de musique. Ces quatre éléments sont, bien sûr, liés.
Il y a aussi la notion de syncopation: la syncopation est la somme des rythmes non attendus dans une pièce de musique. Elle joue un rôle essentiel dans des genres musicaux comme le ragtime, le jazz et le swing, dans lesquels beaucoup de morceaux présentent des syncopations assez longues. De manière basique, on peut dire que la fonction des syncopations est de rendre le son moins conventionnel, d’aller d’une pulsation à une autre en “étendant” le son. Le procédé existait déjà dans le travail de Bach et peut être entendu par exemple dans la pièce intitulée “Invention n° 6”. Les syncopations plus sophistiquées prennent un modèle rythmique et le superposent sur un autre, elles impliquent généralement deux interprètes ou davantage. On peut en trouver dans la musique de Brahms. La technique est essentielle dans le hip hop, où la voix est l’élément qui est superposé à un modèle rythmique instrumental et sert elle-même à la création d’une structure rythmique. Le plus souvent, le modèle rythmique de la voix dans le hip hop est plus sophistiqué que celui des instruments. Enfin, nous pouvons noter que la musique populaire occidentale a été influencée par les rythmes africains et sud-américains. Nous pouvons l’entendre notamment dans le travail de Stevie Wonder.